Sunt femei, sunt negre și nu fac artă despre asta

O nouă expoziție la Muzeul Național al Femeilor în Arte se confruntă cu două presupuneri false încorporate în lumea artei. În primul rând, că femeile ar trebui să facă artă feminină și, în al doilea rând, că artiștii afro-americani ar trebui să facă artă figurativă și activistă, lucrări care se confruntă cu probleme de rasă, inegalitate, nedreptate și istoria lungă a violenței împotriva oamenilor de culoare.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960 to Today se concentrează pe artistele de culoare care lucrează dincolo sau în afara acestor dictate. Lucrarea include abstracțiuni înflăcărate realizate cu oceane de vopsea închegate și imprimeuri delicate cu nuanțe de roz și tracerări rafinate. Unele tablouri izbucnesc de pe pereți și domină spațiul; alții intimează tăcerea și apropie privitorul din ce în ce mai mult de reticența lor enigmatică. Dar toate sfidează așteptările estetice înrădăcinate în categoriile arbitrare de rasă și gen.

După cum explică un eseu introductiv la catalogul spectacolului, acești artiști lucrează la o periferie a unei periferii a unei periferii. Unde sunt aceste periferii multiple? În nicio ordine anume de prioritate, luați în considerare primul gen și abstractizare. Până la mijlocul secolului trecut, domeniul a fost dominat de bărbați care au reutilizat ideile secolului al XIX-lea despre artistul eroic și puterile demonice de exprimare emoțională. Femeile care lucrau în stiluri neobiective au fost trecute cu vederea, marginalizate sau interpretate greșit. Când au reușit să reușească în propriile lor condiții, de multe ori a fost pentru că limbajul vizual pe care l-au folosit reflecta așteptări cu privire la corpul și comportamentul lor, gesturi mici și delicate, culori dezactivate sau forme repetitive care linișteau privirea. Au existat excepții, desigur, dar excepțiile au întărit așteptările tradiționale în modul obișnuit în care puterea se apără: Ne acuzați că vă excludem sau vă marginizăm? Ei bine, acest exemplu solitar, dimpotrivă, subminează acuzația ta.

Apoi, luați în considerare rasa. Perioada de timp cuprinsă de această expoziție urmărește istoria artei de la apogeul mișcării pentru drepturile civile din anii 1960 până la mișcarea Black Lives Matter din timpul nostru. Multe dintre femeile incluse aici au rezistat remorcherului de a face artă care era explicit politică sau direct despre experiența neagră. Arta abstractă a fost adesea văzută în termeni rasiali, ca o formă de elită practicată de artiștii albi. Se aștepta ca artiștii de culoare să mediteze asupra ideilor negre, folosind un limbaj vizual derivat din ideile despre rădăcinile africane ale experienței afro-americane sau ale diasporei.

[ Galeria Națională analizează 10 Vermeers în contextul colegilor artistului ]

Mildred Thompson, unul dintre cei mai buni artiști din această expoziție, nu ar avea nimic din toate astea. A copia simboluri pe care nu le înțelegem, a folosi în mod deliberat o formă pe care nu știe să o analizeze sau să o aprecieze a fost pentru mine culmea prostituției, a spus ea. Și nu era dispusă să cedeze abstracția artiștilor de elită: probabil pentru că trăisem și studiasem cu „whitey” am învățat să-mi apreciez Blackness.

Este o declarație puternică de independență și una care este contestată în mod constant de obiceiurile înrădăcinate ale criticilor, curatorilor, savanților, colecționarilor și publicului.

Deci arta inclusă se simte asertivă, demonstrativă, directă și fără scuze. Dar dincolo de această sensibilitate comună, există legături între aceste lucrări? Există afinități de stil sau detaliu care leagă o singură lucrare de cele 40 de altele văzute? Există vreo variantă care să transcende artistul individual?

Acesta este un teritoriu periculos. Odată ce începi să cauți acele link-uri, riști să limitezi exact ceea ce artiștii au căutat să-l păstreze: individualitatea și conținutul expresiv sui generis al fiecărei lucrări.

cum să mine pentru bitcoins

Și totuși, par să existe urme de comunalitate sau de rudenie, mai ales în modul în care mai multe lucrări exprimă un sentiment de clivaj sau diviziune. Poate că acest lucru surprinde modul în care puterea lucrează asupra noastră, modul în care creează diviziune nu doar între grupurile sociale, ci și în sensul nostru de sine. Puterea ne spune ce ar trebui să fim, indiferent cine suntem cu adevărat. Ne separă de demnitatea noastră înnăscută și își imprimă propriul preț ideilor, darurilor și contribuțiilor noastre.

Într-o compoziție mare și dinamică a lui Shinique Smith, Whirlwind Dancer, decolteul este fizic. Pictura pare la început să reprezinte un singur obiect unificat, un fel de vârtej sau vârtej care a absorbit materialul și resturile unei jumătate de secol de pictură într-o expresie ondulantă a energiei pure. Dar acestea sunt de fapt două pânze unite și, pe măsură ce studiezi acea cusătură, realizezi că liniile sau formele traversează diviziunea doar în câteva locuri. Această metaforă a unei energii care este întreagă, în ciuda faptului că este răspândită printr-un gol sau o fisură, este esența puterii operei.

O sculptură de Barbara Chase-Riboud, ale cărei stele din bronz și țesătură sunt expuse la Galeria Michael Rosenfeld din New York în această toamnă, este împărțită orizontal, cu o fustă de țesătură părând să suporte greutatea enormă a unui tors de bronz. Statuia realizează un dialog pe care mulți oameni îl simt în interior, între o teamă primordială că totul s-ar putea prăbuși și un sentiment exaltant că, cumva, reușim să o menținem suspendată în eterul neantului.

[ Galeria Națională de Portret selectează artiști pentru a picta portretele lui Obama ]

Jennie C. Jones este reprezentată de lucrări care utilizează panouri acustice pentru a crea abstractizări clasice, minimaliste. Dar panourile acustice aduc cu ele insinuări de tăcere și o dihotomie nu foarte diferită de cea sugerată de lucrarea lui Chase-Riboud: Sunt acestea despre tăcere, care este pânza pe care este scrisă muzica și o forță spirituală eliberatoare, sau actul de fiind tăcut, care este prima și fundamentală strategie a puterii?

Aceste dihotomii se extind pe tot parcursul expoziției. Într-o lucrare deosebit de uluitoare, o pictură fără titlu din 1972-73 de Howardena Pindell, pânza este acoperită cu puncte mici de aceeași dimensiune ca micile bucăți rotunde de hârtie rămase atunci când se folosește o presă de hârtie. Într-o altă lucrare, ea folosește resturile de hârtie circulare amestecate în vopsea pentru a crea o lucrare autobiografică cu formă ciudată, care face referire la timpul petrecut în Japonia. Dar în pictura acrilică fără titlu, ea a pictat cu meticulozitate urma lor bidimensională, pe o pânză care include un model iluzionistic de cute, de parcă totul ar fi fost îndesat într-un dulap sau lăsat întins pe podea, neîngrijit, până la imperfecțiuni. a luat forma. Este o lucrare complexă care pornește mintea pe un lanț de întrebări — cine a făcut aceste puncte, cine a perforat hârtia și în ce scop și ce a fost scris pe paginile hârtiei care a fost perforată? — care în cele din urmă indică ideea de text sau document care ne este ascuns.

Aceasta este întrebarea cu care puterea trebuie să fie confruntă cu rigurozitate: Ce ne este reținut? Această expoziție este un răspuns, practic, pragmatic la întrebare. Dar, desigur, întrebarea ridică alta: ce ne reținem de la noi înșine?

Câmpuri magnetice: extinderea abstracției americane, anii 1960 până astăzi este disponibilă la Muzeul Național al Femeilor în Arte până pe 21 ianuarie. Pentru mai multe informații, vizitați www.nmwa.org.