Lucrările artistului Hyman Bloom sunt venerate. Iar cadavrele sunt cadavre.

„Piciorul feminin” al lui Hyman Bloom, 1951; ulei pe panza. (Muzeul de Arte Frumoase, Boston/Timothy Phillips/De la Stella Bloom Trust)

Picturile cu cadavre în putrefiere și cadavre întinse, realizate de Hyman Bloom între 1943 și 1954, constituie una dintre cele mai extraordinare și tulburător de frumoase lucrări din arta americană.

Picturile lui Bloom îngrozesc și uimesc. Ele sunt aprinse de culori fierbinți, curgătoare, care le înfășoară suprafețele ca niște flăcări, consumând și transmutând corpurile sărace pe care le înfățișează în ceva irizant și eteric. Picturile, împreună cu o selecție de desene uimitoare, la scară largă, fac obiectul unui spectacol superb, mult așteptat, Hyman Bloom: Chestiuni de viață și de moarte la Muzeul de Arte Frumoase din Boston. Coincide cu o noutate grozavă monografie pe Bloom și o reclamă spectacol la New York , expoziția se simte ca un eveniment major.

Bloom (1913-2009) este o figură în mare măsură uitată. Dar strălucirea lui a fost recunoscută pe scară largă la mijlocul secolului. Jackson Pollock, Willem de Kooning iar Franz Kline îl venera cu toţii. Elaine de Kooning a scris genial despre munca sa timpurie. Marele savant al Renașterii Sydney Freedberg l-a numit virtuoz cu vopsea. Și într-o scrisoare către colegul poet Elizabeth Bishop, Robert Lowell a scris: Hyman este extraordinar de consecvent, genial, ascet - din ce în ce mai mulți oameni spun că este cel mai bun pictor din America și așa este.

Această expoziție din D.C. ar trebui să fie văzută de toți cei preocupați de criza migranților

Născut într-un sat sărac de evrei ortodocși din Letonia, Bloom și-a petrecut primii ani trăind într-o cabană de lemn cu o cameră, cu podea de pământ. Avea 7 ani când familia lui a sosit la Ellis Island în 1920. S-au stabilit cu cei doi frați mai mari ai lui Hyman, care emigraseră înainte de Primul Război Mondial, într-o casă din West End din Boston, opt oameni înghesuiti în trei camere.

La școală, talentul lui Bloom a fost remarcat de profesorul său de artă din clasa a opta, care l-a încurajat să se înscrie la cursuri de desen la un centru comunitar. Artistul Jack Levine, care a devenit prietenul apropiat al lui Bloom, a fost coleg de studiu.

Profesorul lor, Harold Zimmerman, și-a cultivat talentele cu o abordare experimentală. I-a făcut să meargă foarte încet, lucrându-și desenele mai degrabă din memorie decât din observație directă, cu mici semne și ajustări, rămânând întotdeauna extrem de sensibili la compoziția în ansamblu.

În adolescență, Bloom a desenat boxeri și luptători (cei doi frați mai mari erau culturiști) și – într-un desen uimitor inclus în spectacol – un om titanic de musculos care se desprindea de frânghii groase pe o roată a torturii. Pentru toate libertățile picturale îndrăznețe ale operei sale, desenul - și figura umană - au rămas fundamentale până la sfârșit.

Prin Zimmerman, Bloom l-a cunoscut pe Denman Waldo Ross, profesor la Universitatea Harvard. Ross a subvenționat educația artistică continuă a băieților. I-a instruit să picteze o noapte pe săptămână, în timp ce Zimmerman își continua cursurile de desen. Zimmerman i-a dus și pe Bloom și Levine la New York, unde Bloom a fost expus lui Chaim Soutine și Georges Rouault, vedete ale lucrării sale ulterioare.

La sfârșitul de 20 de ani, cariera lui Bloom a decolat. Picta sinagogi, pomi de Crăciun și mirese într-un limbaj care se inspira pe Soutine, Rouault, Marc Chagall și Jean Dubuffet, dar care încă părea cu totul original. El a început să câștige sprijinul unor oameni precum Dorothy Miller și Alfred Barr, curatori la Muzeul de Artă Modernă, și a inspirat în curând colegii artiști, inclusiv de Koonings și Pollock.

În 1941, Bloom a avut o experiență care i-a schimbat profund atât viața interioară, cât și traiectoria artei sale. Prietena lui apropiată, Betty Tovey, s-a sinucis, iar familia ei i-a cerut să-i identifice cadavrul la morgă.

Bloom îl cunoștea pe Tovey de mai bine de un deceniu. Împărțeau o casă și o garsonieră în Boston. Era bine călătorită, cosmopolită, o violonistă desăvârșită și cu 10 ani mai mare cu el. Cei doi nu par să fi fost iubiți, dar Tovey a fost confidentul lui Bloom într-o perioadă în care l-a văzut luptat cu anxietatea și confuzia spirituală. Pe măsură ce el s-a îndepărtat de practicarea iudaismului, ea și-a împărtășit interesul pentru literatura metafizică. Bloom a început să exploreze teosofia, Vedanta (una dintre principalele ramuri ale filosofiei hinduse) și alte forme de spiritualism. A rămas un căutător toată viața.

Experiența sa de a vedea cadavrul lui Tovey la morgă l-a determinat să privească moartea dintr-o perspectivă nouă și mai frumoasă. Aveam o convingere de nemurire, scria el, de a face parte din ceva permanent și în continuă schimbare, de metamorfoză ca natură a ființei.

Un observator care se uită la arta lui Bloom în următoarele două decenii ar putea presupune că a fost obsedat de morbiditate și moarte. Și într-un fel era. Dar ceea ce îl preocupa cu adevărat era împletirea profundă, indivizibilitatea supremă, a vieții și a morții.

Vederea lui Bloom asupra corpului aproape ca a prinde in capcana , o deghizare de răvășit și rupt, cu atât mai bine să se vadă prin ea, a avut o mulțime de antecedente în arta europeană. Artiștii Renașterii de Nord, de exemplu (mai ales Matthias Grünewald), pictaseră trupul disperat de ruină al lui Hristos cu scopul specific de a transcende corporalitatea. Lucrarea electrizantă a lui Bloom poate fi văzută ca parte a acestei tradiții.

La doi ani după ce a identificat cadavrul lui Tovey la morgă, Bloom a dat peste un prieten, artistul David Aronson, care se îndrepta spre Spitalul Kenmore din Boston pentru a vedea cadavrele. L-a invitat pe Bloom.

Cele mai multe relatări despre arta occidentală de la Renaștere includ poveștile acelor artiști care rupe tabuuri care, curioși de structura internă a corpului uman, și-au îndreptat atenția către cadavre, instigând adesea controverse. Leonardo da Vinci și Michelangelo le-au studiat și disecat. Rembrandt și compatrioții săi olandezi au avansat tradiția în secolul al XVII-lea.

Așa că imaginea a doi pictori evrei tineri ambițioși din Boston mergând împreună la un spital pentru a vedea cadavre nu este în sine remarcabilă. Și totuși, doar pentru că anul 1943 și un număr mare de evrei ai acestor doi artiști au fost măturați prin Europa și trimiși în lagăre de concentrare unde au fost uciși în mod sistematic, este greu să nu fii bântuit de asta.

Bloom nu a intenționat picturile sale ulterioare - cele care domină acest spectacol - ca un comentariu asupra Holocaustului. Cu toate acestea, dezvăluirile despre catastrofa din Europa trebuie să fi alimentat cu siguranță propria sa imaginație. Și în mod inevitabil, cunoașterea noastră despre aceste evenimente face parte din prisma prin care noi ii vezi.

Deceniul de după război l-a văzut pe Bloom producând cea mai puternică lucrare a sa - nu doar imagini cu cadavre și autopsii, ci și imagini fascinante, aproape abstracte, ale hoardelor de comori excavate. Aceste lucrări strălucitoare, construite cu pasaje superbe de vopsea texturată, își înfățișează subiectele ca și cum ar fi așezate orizontal (ca un corp pe o lespede) și văzute de sus.

întârzieri în rambursările de taxe în 2021

Bloom a fost inspirat parțial din imaginile recentelor descoperiri arheologice. El a dat picturilor titluri precum Tezaur arheologic și Harta comorilor, invitându-ne să vedem analogii între comorile excavate (și sticla opalescentă pe care o iubea în mod special) și luminozitatea strălucitoare a interiorului corpului.

La zece ani după ce Bloom a reprezentat Statele Unite ale Americii la Bienala de la Veneția (împreună cu Pollock și de Kooning), a fost asociat cu artistul britanic Francis Bacon într-un spectacol la Universitatea din California din Los Angeles.

Cât de mult mi-ar plăcea să-l văd reînnoit. Ambii artiști au fost preocupați de partea abjectă a corpului uman - corpul ca carne. Dar Bacon, un existențialist temeinic, nu avea un os spiritual în corpul său. Viața, pentru el, era o formă de teatru, un joc sortit inutilității. Bloom, dimpotrivă, a crezut că mai este ceva. Era un artist vizionar, îndrăgostit de tendințe care au devenit din ce în ce mai puțin la modă să iubești. Nu-i păsa de succesul lumii artei.

Când curatorii muzeului i-au vizitat studioul, el și-a întors pânzele pe perete. M-am întrebat de mult timp: a încercat Bloom să-și ascundă lucrările de ochi pe care îi considera incapabili să-i înțeleagă? Sau a recunoscut că lucrurile lui recente nu au fost la înălțimea lucrării sale anterioare?

Poate că era doar modest. În cele din urmă, la fel ca atâția căutători autentici, Bloom mergea pe propriul său drum. A văzut ce a văzut. A devenit din ce în ce mai puțin important pentru el că și noi ceilalți îl vedem. El a produs lucruri bune în următoarele decenii. Dar lucrările pe care le-a pictat în deceniul de după al Doilea Război Mondial rămân o realizare mare și de neșters.

Hyman Bloom: Chestiuni de viață și de moarte Până pe 23 februarie la Muzeul de Arte Frumoase din Boston. mfa.org .

Cea mai emoționantă fotografie din misiunea Apollo nu a fost cea a lunii. Era al Pământului.

Hilma af Klint, femeia care a pictat viitorul

Sunt documentarele despre natură cea mai mare artă a timpului nostru?