O lucrare timpurie a lui Warhol, din 1956, a fost dedicată lui Christine Jorgensen, o femeie trans care a făcut titluri în anii 1950 după o intervenție chirurgicală de schimbare a sexului. (Sammlung Froehlich/Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Artists Rights Society (ARS) New York)
De Philip Kennicott Critic de artă și arhitectură 1 februarie 2019 De Philip Kennicott Critic de artă și arhitectură 1 februarie 2019
NEW YORK – Trăim cu Andy Warhol în aproape același mod în care trăim cu materialul vizual pe care l-a reprodus și exploatat – vasta americană a produselor de consum, vedetelor de film și știrilor. El a căutat să revendice această iconografie ca artă, să-și valorifice puterea seducătoare și să mimeze modul în care circulă, iar în cele din urmă o mare parte din propria sa artă a devenit imposibil de distins de cultura comercială pe care a admirat-o și a parodiat-o. Este omniprezent și în cea mai mare parte invizibil, cu excepția cazului în care încerci să-l stabilești și să-i dai un sens. Și apoi pare ciudat, fantasmagoric și puțin străin, într-un mod care face ca pretenția sa de distracție benignă să pară neîntreruptă de bună-credință.
Intrați în orice muzeu de artă modernă sau contemporană decent și există Warhol, probabil una dintre serigrafiile lui Marilyn Monroe sau Chairman Mao sau Jackie O, imagini colorate care sunt atât de familiare, cât și de mute emoțional. Într-un muzeu, ele funcționează oarecum ca semne comerciale istorice care ar atârna în afara magazinelor - un pește pentru a indica un vânzător de pește, foarfece pentru un croitor, ochelari pentru un optician. Picturile lui Warhol dispar adesea în funcția lor semantică: de a denota afacerea artei moderne. Sau funcționează ca stații obligatorii în turul ghidat de profesor: Iată un Warhol și de aceea contează Warhol. Logodna este reflexă și, în multe privințe, superficială și, dacă credeți, poate, că munca lui acoperă muzeele noastre precum tapet, ghidul poate spune: Exact, iar Andy a făcut și tapet.
Marilyn’s și Mao’s și Jackie O’s sunt acum toate vizionate în Muzeul Whitney de Artă Americană uriașă retrospectivă Warhol. La fel și tapetul, într-o mică galerie din afara spectacolului principal, unde suprafețele sunt acoperite cu vacile și florile sale viu colorate. Expoziția ocupă întreg etajul cinci, împreună cu o galerie de monitoare video la etajul trei și o altă galerie la parter dedicată portretelor. Și dincolo de Whitney, există o altă expoziție Warhol, la Academia de Artă din New York , o instalare a peste 150 de desene ale sale.
Robert Mapplethorpe reconsiderat la Guggenheim
Spectacolul Whitney, prima retrospectivă majoră a Warhol din Statele Unite din 1989 Muzeul de Artă Modernă expoziție, este organizată atât cronologic cât și tematic în 19 capitole. Include lucrările timpurii ale lui Warhol ca student de artă în Pittsburgh și artist comercial în New York City: picturile și desenele sale bazate pe ziare; imaginile lui de dezastru; imaginile sale clasice pop de la începutul anilor 1960 până la retragerea sa din pictură în 1965 (a fost mai mult un punct de inflexiune decât un adio); proiectele sale de film, video și media; și lucrările sale mari, finale, inclusiv Ultima Cina de camuflare din 1986, în care o reproducere a capodopera lui da Vinci este acoperită, dar nu în totalitate, de semnul timid al lui Warhol către abstractie, o suprapunere de camuflaj în stil militar.
Povestea reclamei continuă sub reclamăMultiplele capitole din Andy Warhol: From A to B and Back Again oferă o serie de posibile Warholuri și este clar că curatorul Donna De Salvo a vrut să sublinieze atât multiplicitatea eforturilor sale, cât și interconexiunile dintre acestea. Acesta este un efort de a-l umaniza pe Warhol, de a-l salva din invizibilitatea rece a reputației sale de artă pop, de a face un om care a spus odată Motivul pentru care pictez astfel este că vreau să fiu o mașină să se simtă puțin mecanicist. Spectacolul MoMA din 1989 s-a concentrat pe perioada clasică Pop Art a lui Warhol, iar de atunci, el a fost revendicat ca artist gay, ca artist media, ca artist conceptual, ca filozof al postmodernismului și oracol al erei digitale și ca un pictor al nuanțelor și simțirii, nu doar o mașină pentru realizarea de ecrane de mătase.
Retrospectiva supersize servește bine unor artiști, altora nu. Forma specială de abundență a lui Warhol devine mai adâncă cu cât o vezi mai mult, chiar dacă arta pop pentru care este cel mai cunoscut pare hotărât tăcută când este văzută izolat. Desenele sale nu numai că prefigurează interesul său pentru imaginile comerciale, dar se străduiesc și spre o distilare vizuală a liniilor și formei care face ca alegerea lui de reproducere pe ecran să pară o consecință naturală a lucrării sale desenate manual.
Picturile pop timpurii cu mai multe bancnote, S&H Green Stamps și sticle de Coca-Cola anunță o fascinație de-a lungul carierei pentru ideile de monedă, circulație și schimb. Picturile de pete Rorschach în format mare ale lui Warhol din anii 1980 amintesc de tehnica liniei pete pe care a folosit-o în calitate de tânăr artist pentru a crea desene delicate cu cerneală, ușor tentative. Chiar și delicatețea și umorul blând al desenelor sale timpurii par să se conecteze cu auto-invenția sa ulterioară ca personaj public. Sunt retrași și ciudați în același timp, ieșind din substratul timidității pe care a fost construit Enigmaticul Andy Superstarul.
Un spectacol important al lui David Wojnarowicz explorează amploarea și profunzimea artistului
Câteva decizii curatoriale de la Whitney tind să întărească gândirea reflexivă despre Warhol. O serie de imagini sexual explicite – un portofoliu din 1979 intitulat Sex Parts – este plasată discret pe partea laterală a unui panou mare de perete și ușor ratată. Aceasta pare o concesie față de aceeași homofobie care l-a făcut pe Warhol să circule aceste imagini în privat. Iar muzeul a dedicat portretelor lui Warhol o galerie de la parter, care este accesibilă publicului fără a plăti intrarea de 25 de dolari. Sunt agățați în stil de salon, de la podea până la tavan, iar numărul acestora, precum și varietatea sălbatică eclectică a subiecților lor (inclusiv șahul Iranului și RC Gorman, pictor al scenelor sentimentale de nativi americani), subliniază rolul pragmatic pe care l-au jucat. în modelul de afaceri al lui Warhol. Le-a numit artă de afaceri, iar banii pe care i-a câștigat de la ei au ajutat să subvenționeze unele dintre întreprinderile sale mai puțin profitabile. Dar având în vedere cât de nerăbdător dorește această expoziție să schimbe conversația despre Warhol, pare ciudat să limitezi publicul care nu plătește la munca sa cea mai tranzacțională și poate cinica.
Povestea reclamei continuă sub reclamăLa fel ca marile convenții politice, retrospectivele mari generează adesea energii care sunt adesea nesustenabile. După toate amestecurile de bine și angajamentele de angajament pentru o reformă cu minte înaltă, delegații pleacă acasă și nimic nu se schimbă prea mult. Ce va zăbovi după terminarea acestei expoziții ambițioase și iluminatoare? Lucrarea târzie a lui Warhol, inclusiv Cina cea de Camouflage, imaginile mari Rorschach și uriașa, orizontală, Sixty Three White Mona Lisas, ne revigorează înțelegerea ultimilor săi ani, precum și un set de portrete serigrafiate ale drag queens, împreună cu imaginile Sex Parts. , ajută la risipirea mitului fecioarei Andy, un pândit fără sex la marginea New York-ului gay.
Patruzeci de ani de sex și gen în sălbăticia din centrul orașului New York
Dar desenele sunt cele care avansează cu adevărat proiectul de umanizare a artistului, mai ales cele expuse la Academia de Artă din New York. Aici vedem că lucrul direct pe hârtie a rămas o ieșire esențială pentru energiile lui Warhol de-a lungul carierei sale, nu, așa cum sugerează site-ul lui Whitney, un obicei care l-a definit pe Warhol înainte de Warhol. Desenele sale sunt uimitor de încrezătoare, cu doar câteva semne de revizuire sau regândire evidente în primele incursiuni ale studenților.
Warhol a lucrat prin puterea dorinței sexuale timpurii făcând portrete îndrăznețe, dar elegante ale bărbaților (și ale părților corpului bărbaților) într-un stil care amintește de desenul lui Jean Cocteau, iar intimitatea lor este diferită de aproape orice altceva din canonul lui Warhol. Un subset fascinant al acestei lucrări este văzut atât în expozițiile Whitney, cât și în cele ale Academiei: părți ale corpului, în special picioarele, amestecate cu alte produse Warhol esențiale - bancnote de un dolar, cutii de supă Campbell - și alte obiecte, inclusiv un biplan de jucărie. Alte desene sugerează un interes pentru imprimeurile japoneze, o mână rapidă și sigură pentru schițarea peisajului, precum și meditații private asupra imaginilor sale publice, inclusiv interesul târziu pentru pistol ca icoană.
Povestea reclamei continuă sub reclamăPanoul de deschidere de la Whitney include un citat Warhol ca epigraf: Fiecare are propria America a lor. . . . Și trăiești în America de vis pe care ai făcut-o la comandă din artă, schmaltz și emoții, la fel de mult ca și în cea reală. Merită să ne gândim serios la asta în timp ce vizitați aceste spectacole, parțial pentru că schimbă accentul de la a ne gândi la America lui Warhol la a ne gândi la propria noastră relație cu aceleași icoane. Dar include și un cuvânt puțin luat în considerare în evaluarea moștenirii lui Warhol: emoții. Da, știm despre artă și schmaltz și despre jocurile pe care le-a jucat elidând diferența dintre ele. Dar în desenele de la Academia din New York se simte cel mai palpabil emoția și, dacă Warhol ne spune că emoțiile contează – și contează pentru arta sa – cine suntem noi să le ignorăm?
Andy Warhol: De la A la B și înapoi Până pe 31 martie, la Muzeul Whitney de Artă Americană, 99 Gansevoort St., N.Y. whitney.org .
Andy Warhol: De mână Până pe 10 martie, la Academia de Artă din New York, 111 Franklin St., New York. nyaa.edu .
Muzeul De Young încearcă și nu reușește să urmărească „călătoria spirituală” a lui Paul Gauguin
De ce această artistă genială abia acum primește un spectacol demn de arta ei?
